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15件巨作详细地理解阅读永乐现当代艺术为何是秋拍最强

来源：火狐体育官方网站发布时间：2024-02-12 20:13:12

2020年秋拍正式打响，各大拍卖公司的重磅拍品陆续揭晓，永樂2020首拍的现当代艺术拍品阵容在其中显得格外突出，多件能独领一季风骚的顶流作品齐聚一堂，组成了近几年国内最重要的一场现当代艺术拍卖的刘小东群像史诗群像《战地写生——新十八罗汉像》、曾梵志4米大作《虎》，又包括

永樂2020首拍中国当代艺术部分呈现了多件博物馆级重磅作品，首当其冲的便是刘小东《战地写生——新十八罗汉像》、曾梵志《虎》和严培明《上海儿童》，这三件作品不仅对于艺术家，同时对于艺术史甚至是文化史，都是很重要的视觉见证，重要性不言而喻。此外，一批当代艺术的中坚力量也让本场拍卖的面貌更加充实、丰富，名单涵括陈逸飞、罗中立、陈丹青、周春芽、刘炜、张晓刚、蔡国强、尚扬、丁乙、张恩利、徐累、刘丹等。他们的创作在看似极为自我的表述中暗藏着时代最真实的脉搏，也正是这一点，使得这些创作更为可贵。

刘小东《战地写生——新十八罗汉像》布面油画 200×100cm×18 2004年作

《1989 后的艺术与中国：世界剧场》，古根海姆美术馆，2017年，P244-245

1989 后的艺术与中国：世界剧场，古根海姆美术馆，纽约，美国，2017年

永乐·中国艺术品大展，幻艺术中心，北京，2020年9月 / 湖畔大学·大礼堂，杭州，2020年10月 / 平安金融中心，深圳，2020年11月 / 上海展览中心，上海，2020年11月

刘小东曾说，“对我来说，安身立命的是写生。”2004年起，他走出画室，辗转台湾、三峡、北川、新疆和国外，不借助任何摄影图片复制手段进行写生创作。相比如今的日常写生，当时的刘小东更加锐利，以艺术家的视角记录这个时代普通人的生存面貌，其中《战地写生—新十八罗汉像》便是其中最特殊的一件。

2004年9月，由蔡国强策展的“金门碉堡艺术馆──十八个个展”在台湾金门举行，刘小东为了创作专门花了三个星期在中国大陆和台湾的军营内，分别找来九位军人作为十八幅肖像的主角，并在画中记下他们的名字和籍贯，最后将十八幅肖像拼合在一起，形成《战地写生—新十八罗汉像》。

在此组画中，全部都是真人大小的巨幅肖像，面对面时是有强烈的视觉上的冲击力。两岸的军人看起来并没多少差异，形象、军装都基本相似，画家刻意呈现了一种共性，以暗示两岸军人“本是同根生”的兄弟关系，同时呈现出一个国家的伤口和一个艺术家无言的立场。

该作在刘小东的创作生涯中也占据很重要的地位：有全球包括中国美术馆和美国古根海姆美术馆等9家美术馆的展览记录，同时还有至少13次的重要出版。2008年，该作曾于香港上拍，并以6192万港元刷新了当时的刘小东拍卖纪录。12年后又出现，对于已有大量私人美术馆和成熟收藏者的国内市场而言，无疑是一份礼物。

相较于令曾梵志名声大噪的“面具”系列和“协和医院”系列，《虎》更是一件代表了艺术家将以往主题、经验集合，开始建构起新路径的作品。

创作于2017年的《虎》在图像序列上与曾梵志另外两件作品《兔子》（2012）和《拉奥孔》（2015）有着明显的延伸关系：尺幅巨大、审美更趋古典。曾梵志甩自己的方式重塑经典的同时，也在重塑自身的定位：摆脱区域性画家的身份，进入全球审美体系。

《虎》的尺寸是4米×4米，这种巨大的方形尺幅在曾梵志的作品中并不算常见，《虎》是这特类之中出现在拍场上的首作，此前从未曝光。

作品造型高度概括，线条洗练又纯粹，更丰富的色彩组合，画面结构恢宏磅礡，蕴藏动能。也是继《最后的晚餐》和《面具系列1996 No. 6》之后，最令人期待的曾梵志作品

严培明《上海儿童（双面画）》铜板丙烯 180 × 126 cm × 21（正反面共42张）2010年作

永乐·中国艺术品大展，幻艺术中心，北京，2020年9月 / 上海展览中心，上海，2020年11月

以单色肖像画为个人符号，长期游走于中法之间的严培明有非常强的个人气质。此次上拍的大型组画《上海儿童》是严培明为2010年上海世博会法国馆所做，共21幅，正反两面各一幅肖像。他们或大笑、或哭泣、或愤怒、或平静，带着各式各样情绪的脸庞，以赤裸、有力的视觉效果和集体化的方式出现。

在常规的肖像下隐藏的是艺术家真正的关注点——“具有政治性、社会性的历史时刻”，与里希特1980年代前后一批著名作品的追求和手法都如出一辙。《上海儿童》针对了城市化进程中，上海农民工的孩子们所面临的一系列问题。严培明用一幅鸿篇巨制对时代负责，进而最终回归至对于人类处境的思考：我们该如何应对不断加速的都市化进程，又该如何自处？

《人道主义画家：罗中立1992年专辑》，炎黄艺术文教基金会，1992年，图版24

《四川美术学院70周年校庆特展》，山艺术文教基金会，2010年，图版15

《中国乡土写实灵魂·罗中立的绘画艺术展》，国立历史博物馆，2012年，P95

《斯土斯情·中国与俄罗斯写实绘画特展》，佳士得香港有限公司，2013年，P18-19

斯土斯情·中国与俄罗斯写实绘画特展，香港会议展览中心会议厅，香港，2013年

1986年，罗中立选择了归乡，他婉拒了大城市所有的教职邀约，回到他曾居住了十多年的大巴山闭关。一如法国巴比松画派名家米勒，罗中立用画面表达农民崇高的人性尊严与自然的永恒宁静之美。

但罗中立的方式又略有不同，他喜用粗重的笔触，和变形的主体人物，在『拙』与『朴』的表现风格中挖掘美的本质，并带着特有的幽默与若连环画的情境式动态叙事，生动有力，完成于1992年的《牵手过河》该时期的代表作。

“过河”是罗中立在几十年间反复描写的主题，这个平凡的生活场景，罗中立发掘出了原始质朴的美感和温暖的情谊。而在众多“过河”主题创作中，《牵手过河》也是其中90年代的最大尺幅之一。该作经由山艺术基金会推广，有着傲人的展览和出版记录，首次进入拍场，相信会引起诸多资深藏家关注。

《缤纷·大地·黄土·四季：罗尔纯、张钦若、尚扬、许江联展》，新墨色文化事业有限公司，1995年，P26

《有阳光的大风景之二》创作于1995年，尚杨在创作“大风景”系列时从民间百纳布的拼合结构中得到启发，百纳布的无序拼接的方式往往会得到意外的协调有序的效果，与西方的波普艺术有相似之处。

尚杨虽然关注大众文化，并运用了拼贴、挪用、重复这些波普艺术的基本形式，但是他的绘画显然更加沉重，他把商品时代常见的文化现象从集体漠视中呈现出来，比如过渡的娱乐消遣，对环境的破坏以及无处不在的浪费行为，正如他说：“这些年来，我一直以‘大风景’表达我对人与环境、以及人类生存前景的关注。”

永乐·中国艺术品大展，湖畔大学·大礼堂，杭州，2020年10月 / 平安金融中心，深圳，2020年11月 / 上海展览中心，上海，2020年11月

改造历史：2000—2009年的中国新艺术，国家会议中心，北京，2010年

传承——华夏经典艺术（亚洲博鳌论坛）特展，海南博鳌文化艺术中心，海南，2010年

永乐·中国艺术品大展，湖畔大学·大礼堂，杭州，2020年10月 / 平安金融中心，深圳，2020年11月 / 上海展览中心，上海，2020年11月

蔡国强《人类、老鹰与天空之眼》纸本综合材料 230×75cm×4 2003年作

《蔡国强：人类、老鹰与天空之眼》，阿尔毕庸及麦可·修·威廉斯美术有限公司，2004年，P140

永乐·中国艺术品大展，湖畔大学·大礼堂，杭州，2020年10月 / 平安金融中心，深圳，2020年11月 / 上海展览中心，上海，2020年11月

二十世纪艺术以林风眠、吴冠中、赵无极、常玉、徐悲鸿等旅法先驱大师领衔，他们的创作多关注绘画语言的纯粹性，且兼顾形式美感，一直以来都是市场的热点。此外，本季还将朱沅芷、陈荫罴、吴大羽、丁衍庸、关良、胡善馀、林达川、周碧初、赵兽、李青萍、沙耆特设为：中国现代主义美术的崛起专题，以期重溯中国艺术史的重要进程。

借由今年林风眠诞辰120周年之契机，永乐特别推出由8件林风眠各重要时期佳作组成的“林风眠专题”，从融汇东西方风景意趣的四、五十年代《长江三峡》、《江山万里》、《归航》，到六十年代人物的佳作《执炉仕女暨致林楚谦书信一通》、《两个女民兵》《渔家女》《西湖秋色》，直至80年代回忆祖国河山的《山林幽居》，全貌呈现林风眠的艺术创作历程。

此外，还有由4件作品组成的“吴冠中专题”，囊括多件其生涯盛年的重要作品。如70年代尺幅雄壮之油画《乞力马扎罗雪山》以及90年代更加迈入形式之美的《野井》，聚焦这位中西融合艺术大师的最高成就。

《风筝不断线——缅怀吴冠中先生经典作品收藏大展》，保利艺术博物馆，2010年，P135

吴冠中曾在自传（《我负丹青—吴冠中自传》，三联书店（香港）有限公司，2005年，P48）中提及过此画的创作过程。

风筝不断线——缅怀吴冠中先生经典作品收藏大展，保利艺术博物馆，北京，2010年

风筝不断线——缅怀吴冠中先生经典作品收藏大展，保利艺术博物馆，北京，2019年

《乞力马扎罗雪山》是1975年吴冠中受邀前往非洲所作，但值得玩味的是，吴冠中本人却从未曾到访坦桑尼亚，而是借由相关的图像资料做想象化的描绘。所以画面呈现出比较强的东方特色，以近、中、远三景来分割画面。

同时，这一巨作也展现了吴冠中在“油水”方面的融合。吴冠中选择以高级灰来处理全图中多样的色彩关系，在本该大片雪白的世界中，凭借不同色调和明度的灰色终以呈现出一个“银灰色的世界”，它不再是单调的白，而是绚烂的灰。令人联想到后来的《双燕》、《秋瑾故居》中白墙黑瓦的独特结构。

就如同艺术评论家翟墨的话说，吴冠中先生的这一选择是“具有战略意义和战术价值的”，因为“银灰是中华民族传统的审美基调”。画面中的灰色比重占据极大，“银灰的由浓趋淡，标志着吴冠中的油画西方比重的缩减和东方比重的增加，标志着吴冠中由传统向现代艺术转型的渐趋完成。”

《赵无极1964年到1979年的大型画作》，国立历史与艺术博物馆，1980年，编号30

《赵无极私人收藏1955-1989》，瓦沙雷里基金会艺术馆，1991年，P19

赵无极1964年到1979年的大型画作，国立历史与艺术博物馆，卢森堡，1980年

赵无极展，神奈川県立近代美术馆、京都国立近代美术馆、福井县立博物馆、东急百货店日本桥店、福冈市立美术馆，日本，1981-1982年

赵无极私人收藏1955-1989，瓦沙雷里基金会艺术馆，艾克斯普罗旺斯，法国，1991年

1973年后，经历丧妻之痛的赵无极重拾水墨，其画面核心也由“聚”转“散”，并更多挑战大尺幅画布，《01.04.79》可谓是这一时期的代表。该作是赵无极1970年代最大的单幅作品，是为1980年卢森堡国立历史与艺术博物馆的“赵无极1964年到1979年的大型画作”展览而专门创作，出版和展览纪录累累。

画面中“狂草”时期的中轴线构图逐步瓦解，以往其画中象征“皇天后土”的褐色也褪去威严，显得疏淡。从具象角度来看，如一只站在石壁上凝视远方的鹰，与潘天寿的《鹰石山花图》有几分神似。

此外，赵无极在这张作品中深深地注入了中国文人画所具备的笔墨与意境。画面中的大片白色，乍看之下，是一片“纯白”，却暗含了各种韵律节奏、千变万化的色彩，浩瀚无限，犹如一个生命机体的动态呈现，从而创造出一个极具诗意的艺术空间。

《求知雅集珍藏近代中国书画》，香港求知雅集，香港中文大学文物馆，1987年，P190-191

《长江三峡》代表了林风眠在四十年代的风景画的典型风格。这一阶段林风眠经历了人生的变迁，在抗日战争爆发后，他辗转迁移，从国立艺专辞职后，经上海、贵州、云南，抵达重庆，在重庆独居在长江南岸的一间旧房内专心研究绘画。所以该时期主要题材是重庆地区的沿江风光和山间景色。

此作画面的空间格局十分大气，在平远中层层展开，近景有绵长的堤岸和数只停泊的渔舟，远景是绵延不绝的山峦，山峦高大坚挺，直逼眼前，给人造成一种视觉上的冲击，林风眠在这里并没有采取淡化远山的方式，而是打破了固有的远近比例，使远山更突出，是一幅融合了中西技法的佳作。

赵兽是活跃于二十世纪三、四十年代的前卫派艺术家，也是一位长期被低估和漠视的艺术家。其1977年所作的《迷失的方向》是已知的市场上流通的最大尺幅的作品。同时也是艺术家再文革时期于隐蔽的环境中从始至终坚持创作的作品。

这一阶段的《白云苍狗》、《圆寂—他在废字纸堆中死去》、《迷失的方向》都代表了他的压抑、迷惘的精神状况。相较之四十年代时的作品，这一段时期的画作仍然延续了抽象的形式和鲜艳的色彩，但是由于年龄和人生际遇的缘故，作品中显示出更多的哲理性思考。

李瑞年是二十世纪中国美术史上的第一代油画家和美术教育家，他的艺术在风格上归属于徐悲鸿所提倡的写实主义体系，在中国油画的早期发展史上有着承前启后的意义。靳尚谊、侯一民、钱绍武等都曾经是他的学生。但随着中国当代艺术理念的整体转向，他的名字逐渐被淡忘。

这幅得自艺术家家属的《迎春》创作于1977年，相比十年代时的《采花人》等作品，色调从暗沉走向明朗，重视造型写实性的同时，亦呈现了光影的微妙变化。画中构图极其简单，在桌面的玻璃花瓶中插着一束盛放的迎春花，并无另外的陪衬。尽管画中的主角全部交给鲜艳的花卉，但画家显然降低了一个亮度，也没用过多的色彩，他在画中运用了层次丰富的灰调子，灰调子中有色彩和光影的各种变化，简中蕴繁，以少胜多。他在平凡的风景中寻找不平凡，在不平凡的意境中回归平凡。

罗尔纯《着红裙子的傣族女孩》布面油画 100 × 81.5 cm 1987年作

《第三代中国油画家研究·罗尔纯》，广西美术出版社，2001年， P21

永乐·中国艺术品大展，湖畔大学·大礼堂，杭州，2020年10月 / 平安金融中心，深圳，2020年11月 / 上海展览中心，上海，2020年11月

英国著名美术评论家迈克尔·苏立文曾说：“罗教授的油画一扫中国油画画坛几十年的沉闷空气。他以明亮的色彩和很自然的变形手法，创造出‘极鲜明的个人风格’。”

这幅《着红裙子的傣族女孩》创作于1987年，后一年罗尔纯创作了其最著名的作品《九月》，用大片鲜艳的红色描绘了秋日盛景。而在这幅《着红裙子的傣族女孩》已显露了突破的预兆。在和《九月》中的妇女同样的位置，女孩左手扶肘，身姿婀娜，戴红色头巾，围红色长裙，面颊绯红，目若含情，似羞似笑。

罗尔纯提倡艺术家应该热爱真实，因为真实的事物即是美的，美隐藏于真实之中，因此要学会观察这种真实性。在这一点上，我们大家可以在《着红裙子的傣族女孩》中感受到那种真实的表现，经过罗尔纯的精心刻画，女孩的脸部、颈部及手臂都好似象牙白玉，柔美的线条与自然形式的完美结合。罗尔纯在创作这幅作品时，已经年过五旬，以如此高超细腻的笔法去描绘一个花季少女的完美姿态。

《常玉油画全集》，台北国巨基金会，大未来艺术出版社，2001年，P175

《常玉油画全集第二册》，台北财团法人立青文教基金会，2011年，P123

玛丹娜遇见德勒斯登，利普希乌斯宫艺术馆、德勒斯顿国家艺术博物馆，德国，2008年

永乐·中国艺术品大展，平安金融中心，深圳，2020年11月 / 上海展览中心，上海，2020年11月

《吴中冠自选画集》，北京东方出版社及香港建筑与城市出版公司，1992年，P64

风筝不断线——缅怀吴冠中先生经典作品收藏大展，保利艺术博物馆，北京，2019年

永乐·中国艺术品大展，平安金融中心，深圳，2020年11月 / 上海展览中心，上海，2020年11月

新绘画板块则重点聚焦于时下极具发展的潜在能力的艺术力量，以贾蔼力、黄宇兴、王兴伟、陈飞、王光乐、刘韡、高瑀、陈可、王音、谢南星、秦琦、李青、赵赵、高露迪等代表艺术家领衔。这批艺术家无论在创作语言亦或市场认可度层面均已日趋成熟与稳定，在全球化的艺术舞台上也逐渐收获一席之地，此次拍品将集中梳理这批新生代力量们的最新去世与阶段性成果。

贾蔼力的新作最近在上海艺博会中大出风头，再加上今年8月刚以2185万元刷新了个人拍卖纪录，令他成为目前青年艺术家中的佼佼者。本场共有两件贾蔼力上拍，一件是2008年作品《疯景》，另一件是2015年的《无题》，均为首次上拍，尺幅巨大。

两幅画展现了贾蔼力完全不同的两个面貌，前者代表了贾20多岁出道后一直延续的冲突激烈、狂放的废土幻想，充斥着年轻人的愤怒。后者则是一个35岁有过阅历后看世界的态度，在平静的表述中暗藏对历史事件，或是伤害的隐喻，用怀旧的方式绵里藏针，也更接近他当下的创作状态。贾蔼力透过绘画这一媒介某一些程度是在深刻追问隐藏在现代化进程中的矛盾和危机。

1999年前后，艺术家王兴伟的身体一直不好，慢性结肠炎几乎时时刻刻折磨着他，让他心情悲观、焦虑。这位30岁的“病人”的只可以通过绘画来试图忘记疼痛，在这种紧张、不舒适的情况下他创作了充满了病态戏剧性的重要作品《无题（郊游）》。

《无题(郊游)》分成远、中、近三个景别，远景三个人物非常小，一个拿着旗子，一个更小的在奔向更深处。这三个人物确定了整个画面，以及前景主要场面发生的原因。

中景是女生采花，暗示少年时性意识已经懵懂萌动，同时也是支撑前景主要场面发生的心理基础。而前景是画面的中心，戏剧性的高潮部分，一个少先队员拖出一具赤裸的女尸。画中大片的绿色丙烯，营造了清新冷艳的病态色调。而女尸令人眩晕的震撼，是普遍禁欲的社会内心欲望的放大物，既是具体的，又是被压抑欲望的象征物。

在此之前，王兴伟创作了一批挪用外国美术史经典的作品，比如《可怜的老汉密尔顿》、《公元2017年》等，《无题（郊游）》指向了更普遍的社会心理、压抑和妄想。艺术家认为这件作品的戏剧性可以和一些杰出的电影相比，直击心灵深处。

黄宇兴是今年另一位市场表现抢眼的艺术家。随着他的拍卖纪录在7月大幅刷新，同时签约了新画廊，黄宇兴的市场正进入快车道。没有收藏黄宇兴的藏家抓紧一切机会搜罗其作品，机构和大藏家则在等着他最重要的作品入场。

而本场中的《溶流》就是这样一件“高定”，它高3米，长10米，是黄宇兴2015年为余德耀美术馆新规划的项目空间进行的创作，前后花费了8个多月的时间去思考与创作，并最终以此打开了其《气泡》系列的开端。由于尺幅巨大，《溶流》几乎是一件美术馆专属作品。而在大即是贵的艺术市场，它将再度冲击黄宇兴的个人纪录，甚至是千万大关。